CONCEPTOS GENERALES

Las técnicas pictóricas  

Siendo la pintura una modalidad tan importante y tan utilizada a lo largo de la historia, son múltiples los métodos y técnicas de ejecución a lo largo del tiempo, así como sus soportes y materias pictóricas. En realidad lo que denominamos materia pictórica consta de tres elementos fundamentales: El colorante, el aglutinante y su correspondiente diluyente. El colorante, lo que llamamos pigmentos, son la base esencial de la pintura de cualquier época porque es la sustancia con la que se colorea y pinta. Los colorantes pueden ser naturales o químicos. Entre los más habituales tendríamos entre otros la azurita (carbonato de cobre) o ellapislázuli para el color azul; los óxidos de hierro o de plomo para el rojo; silicatos y arcillas para el amarillo; el carbonato de calcio o el cinc para el blanco; hollín de cremaciones diversas para el negro, etc. El aglutinante, es el elemento con el que debe mezclarse el colorante para que éste se pueda aplicar. Además cohesiona al colorante y lo protege. Aglutinantes se han utilizado muchos a lo largo de la historia, pero pueden dividirse en dos grupos según sea su diluyente acuoso ograso. Entre los denominados acuosos estarían aquellos que deben diluirse en agua, la yema de huevo, las gomas vegetales como la goma arábiga, la cola animal (obtenida al hervir pieles de animales), la propia cal en la técnica al fresco, etc. Otros son los aglutinantes grasos, como el aceite de linaza propio de la pintura al óleo; o las ceras cuando se utilizan técnicas de encáustico, es decir diluyendo los colores en cera derretida al calor. Los barnices completan la ejecución de la pintura, pues una vez terminada ésta se procede a recubrirla con un elemento protector que además potencie el brillo de la imagen pintada. Los más utilizados han sido la clara de huevo, la cera (utilizada por la pintura griega) y sobre todo las resinas naturales que constituyen lo que solemos denominar propiamente como barnices En cuanto a los procedimientos técnicos más habituales en pintura son los siguientes: Fresco. - El fresco es una técnica propia de la pintura mural. Requiere de un proceso de preparación del muro previo a la ejecución de la obra. Dicha preparación consiste en humedecer la pared con una lechada de cal, es decir aplicar sobre el muro una primera capa de agua y arena y cal en proporción de 2:1. Es lo que se llama revoque; y una segunda más fina, con la proporción de arena y cal de 1:1 (una de cal y otra de arena), que es el enlucido. El proceso de carbonatación de la cal al secarse el muro, permite la penetración de los colores en la pared y su conservación muy duradera, si bien tiene la dificultad para el pintor de que la obra al fresco debe pintarse sin posibilidad de error y con celeridad, de tal modo que apenas es posible retocar, ni corregir, ni perfilar. El óleo.- Utiliza el aceite para disolver los colores, dando al lienzo un brillo y unas posibilidades nuevas en la textura de la obra.  Es válido para cualquier tipo de soporte, pero el óleo se utiliza preferentemente sobre madera o sobre tela, es decir, lo que solemos denominar como pintura sobre tabla o en lienzos. Igualmente permite la utilización de pinceles finos, una mayor nitidez en el detalle por tanto, y además la posibilidad de superponer capas finas de pintura sobre el lienzo ofreciendo así una especial luminosidad a modo de transparencia ("Veladuras"). Témpera o temple.- Se denomina pintura al temple toda aquella que utiliza un diluyente acuoso en el aglutinante. Es por tanto aquella pintura que utiliza yema de huevo y colas o gomas vegetales, animales o sintéticas, como aglutinante. El temple se ha utilizado sobre diversos soportes, preferentemente sobre muro y sobre tabla. En el primer caso su diferencia con el fresco radica precisamente en su conservación, porque al aplicarse sobre el muro seco no impregna la pared y es fácil que se descascarille. Por el contrario permite todo tipo de retoques y rectificaciones.  La acuarela.- Utiliza mucha agua como diluyente y muy poca cantidad de aglutinante, que suele ser algún tipo de goma, aunque se han utilizado diversos a lo largo de la historia, desde miel o glicerina, hasta baba de caracol. Su soporte suele ser el papel. Cobra interés como procedimiento pictórico especialmente a partir del S. XVIII. El pastel.- El pastel es todo lo contrario porque es una pintura seca, que utiliza para su realización lápices especiales de colores.  Sus pigmentos se suelen mezclar con algo de yeso y goma.  Sus soportes habituales son el papel, la cartulina o la tela, y al ser tan seco la propia grasa del dedo sobre el color aplicado actúa de diluyente. Se utilizó en algunos bocetos y retratos barrocos y en alguna obra impresionista, donde su carácter abocetado y difuso resultaba muy atractivo para sus intenciones plásticas. El gouache.- Utiliza como aglutinante agua "gomosa" (mezclada con glicerina, goma arábiga, etc), lo que da texturas más pastosas y gruesas, de mayor contenido expresivo. Digamos por tanto que es similar a la acuarela aunque de resultado mucho más denso y pastoso. Sus soportes son diversos, pero es habitual sobre tela, y su aplicación más habitual es en el género del paisaje. Los polímeros.  Vinílico.  Acrílico.- Se trata de pinturas plásticas o acrílicas porque en realidad se trata de plásticas sintéticas, de ahí el nombre de acrílico. Es decir, son pinturas cuyo aglutinante es una cola de fabricación plástica o resinas sintéticas. Tiene gran densidad, secan con gran rapidez y adquieren granulaciones (gotelé) que poseen valoraciones tridimensionales o escultóricas.

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LAS TÉCNICAS PICTORICAS.

Nuestra impresión y percepción de cualquier obra pictórica varía sustancialmente dependiendo de la técnica empleada en su ejecución. No es lo mismo pintar una obra sobre lienzo que sobre una pared, o pintarla al óleo que hacerlo con acuarela, o pastel, o al temple.... Todo puede cambiar según qué material pictórico se utilice, los contornos, las superficies, los colores, la percepción general e, incluso, la sensación que una obra nos produce.

En esta exposición dedicada a la técnica puedes observar las diferencias entre algunas de las más conocidas y utilizadas.

PINTURA AL FRESCO. CREACIÓN DE ADÁN. CAPILLA SIXTINA. MIGUEL ANGEL.

El gran genio del renacimiento que es Miguel Angel Buonarotti pintó el techo de la capilla Sixtina del Vaticano con frescos maravillosos de temas religiosos. El más conocido es este de la creación de Adán, donde Dios Padre, volando sobre una nube rodeado de ángeles se dirige a insuflar vida al primer hombre. Las manos son lo más expresivo de toda la composición si bien conviene hacer hincapié en el potente y vivo colorido, la terribilitá (energía, enfado) de los personajes, las anatomías voluminosas y musculosas y la perfección del dibujo.

Notarás que la pintura está directamente aplicada sobre el muro (se ven las grietas) y ello se logra con un aglutinante que fije la pintura sobre la superficie, normalmente es clara de huevo. Pintar al fresco exige mucha minuciosidad y planificación porque no permite rectificaciones y un gran desgaste físico por tener que pintar en posiciones forzadas (techos) y sobre andamios. En la antigüedad, la técnica del fresco era la más utilizada, los hay en Creta, Grecia, Egipto, Roma, etc.

ACUARELA. VELERO LLEGANDO A PUERTO. J.M.W. TURNER.

La acuarela es una técnica pictórica en la que los pigmentos utilizan como base el agua. Quien pinta acuarelas debe mojar el pincel primero en agua y después impregnarlo de color. Este principio acuoso impide a las obras hechas así dotarse de contornos nítidos o de detalles de pequeño tamaño. Enseguida notamos si una obra es acuarela porque los contornos son extraordinariamente difuminados y los colores no consiguen unos tonos muy vivos.

Todo esto, que aparentemente es limitante para el artista, tiene también sus ventajas. Tal vez la más notable es que la acuarela puede reflejar magistralmente ambientes vaporosos y difuminados. Paisajes y marinas se prestan muy bien para ser plasmadas en acuarela. Se logra un ambiente sugerente y romántico que al espectador le hace imaginar cosas.

Observa en este cuadro que entre un torbellino de luces blancas, anaranjadas y amarillas avanza poderosamente hacia el puerto un velero de dos mástiles, impulsado por el viento que hincha sus velas. El mar es amenazante, negro e impenetrable y parece querer tragarse el velero. Esta negrura sólo es rota por el reflejo del sol de atardecer sobre las aguas. La sensación de vaporosidad y falta de objetos tangibles hace que esta escena nos haga imaginar lo que queramos, pues la propuesta de Turner tiene tal fuerza expresiva, que somos invitados a soñar.

TEMPERA. EL MUNDO DE CRISTINA ANDREW WYETH.

La tempera es otra técnica con pinturas a base de pastel y, al ser pigmentos muy densos, permite marcar con gran nitidez los contornos y los detalles compositivos. Además los colores resultan muy vivos y con muchos matices y las superficies son extraordinariamente homogéneas.

En este "Mundo de Cristina" el pintor realista Andrew Wyeth nos recrea un ambiente inquietante sobre la realidad del ser humano y sus temores. La chica paralítica, Cristina, vecina del pintor, está echada sobre la hierba tratando de arrastrarse hasta su casa, muy lejana al fondo. Ella solía desplazarse así por el campo de hierba llevando ramitos de flores y eso impactó a Wyeth. Está vestida con un traje rosa y muestra unos brazos y unas piernas muy débiles. Los negros cuervos revolotean sobre estas viviendas, cuya estética nos recuerda la siniestra silueta del motel de Norman Bates en la película "Psicosis" de Hitchkock. El paisaje desolado hace pensar en la soledad del ser humano y en su desvalimiento frente a su propia trascendencia y sus limitaciones. Es magnífica la distribución de masas y la incidencia de la luz. La técnica de la tempera (pigmentos mezclados con huevo) aporta un suave acabado al cuadro y un eficaz realismo. Esta obra maestra nos deja pensativos y melancólicos pues nos enfrenta a una triste y frecuente realidad, la del sufrimiento de nuestros semejantes y nuestra escasa sensibilidad hacia ellos.

ÓLEO. GRANJA DE PROVENZA. VINCENT VAN GOGH.

Tal vez la técnica del óleo es la más conocida en pintura desde el siglo XV. Fue inventada por los pintores flamencos de aquella época (Van Eyck, Van Der Weyden, etc) y su base es el aceite. El óleo tiene indudables ventajas sobre las demás técnicas, logra colores muy potentes en sus tonos, marca con gran nitidez las líneas y los contornos, permite rectificaciones (arrepentimientos) pintando encima de lo erróneo y cada artista puede mezclar libremente los colores en su paleta hasta conseguir sus propias tonalidades o bien elige si aplica el óleo muy pastoso o más diluido.

Las mayor parte de las obras pictóricas desde hace 500 años hasta ahora son óleos sobre lienzos (telas).

El paisaje rural tradicional de la Provenza francesa es protagonista de esta relajante vista de Van Gogh realizada durante su estancia en esta región del Mediterráneo francés. Una senda conduce a una puerta metálica encuadrada entre pilares y un murete curvo emboca hacia esa entrada. Trigales y flores silvestres jalonan el primer término, donde un campesino se encuentra de espaldas a nosotros realizando las labores agrícolas. Las casas de la granja aparecen detrás rodeadas por grandes amontonamientos de heno.

Las pinceladas no son homogéneas, las hay grandes y densas en las amapolas y pequeñas y puntiformes en los árboles del fondo.

SOPLADO Y TAMPONADO. CUEVA DE ALTAMIRA.

En la prehistoria no se conocían ni el óleo, ni la acuarela, ni la tempera ....la única posibilidad que conocían al pintar era aplicar los pigmentos (óxidos, polvo de carbón, etc) sobre la pared mediante soplado (tipo cerbatana) o tamponado (un tampón de fibras vegetales golpeando la pared para fijar los pigmentos). La humedad de la caverna hacía el resto al mantener pegados los colores a la pared.

En el arte rupestre franco-cantábrico (sur de Francia y Cornisa Cantábrica española) las pinturas son polícromas, no forman escenas sino que son animales independientes y a veces superpuestos. Casi no aparece la figura humana. No se representa movimiento, las figuras son muy realistas y cada cueva muestra cierta especialización en una determinada especie (Altamira bisontes). Las figuras están en lugares apartados y recónditos. Todo indica que las cuevas eran como santuarios dedicados a ritos mágicos para propiciar la caza. Probablemente el brujo era el propio pintor. Ante estos prodigiosos bisontes, llenos de elegancia y de fuerza, fruto de una enorme maestría e imaginación, cabe preguntarse si los hombres del paleolítico eran, como algunos piensan, brutos, toscos y salvajes.

DIBUJO SOBRE CARTEL. YVETTE GUILBERT. TOULOUSE-LAUTREC.

Henry de Toulouse-Lautrec fue un postimpresionista francés pionero en pintar carteles con trazos simples de color y realizados con soltura y rapidez .Este pintor llevó una vida triste, sin amigos, dependiendo del alcohol y frecuentando cabarets y prostíbulos. Sufrió una enfermedad muy grave en su niñez y dejó de crecer, midiendo sólo 1,52m. Además se fracturó los dos fémures y quedó semi-paralítico.

Los ambientes nocturnos del París de la época (finales del XIX) son los que refleja en sus obras, dedicadas a amigas suyas prostitutas y a atmósferas sórdidas de personajes marginales.

Su dibujo es firme y seguro, posee una indudable gracia y capta los ambientes de forma sencilla pero muy eficaz. Yvette Guilbert era una de las estrellas del famoso Moulin Rouge de París y aquí la vemos perfectamente caracterizada a pesar de lo abocetado de la composición y de la falta de rellenos de color.

TÉCNICAS DE ACUARELA
 Las acuarelas se obtienen por aglutinación de pigmentos secos en polvo mezclados con goma arábiga, que se extrae de la acacia y que solidifica por evaporación, pero que es soluble en agua. Las acuarelas, en estado sólido, se disuelven en agua y se aplican sobre el papel con un pincel. Si bien la acuarela es un tipo de pintura relativamente moderno, a lo largo de la historia se han utilizado diferentes pinturas a base de agua. Se puede considerar que las primeras acuarelas son los papiros del antiguo Egipto, y los tempranos dibujos orientales a tinta son en realidad una forma de acuarela monocroma. En la Europa medieval, se empleaban pigmentos solubles en agua aglutinados con un densificador derivado del huevo para los manuscritos miniados; de la misma manera, los frescos medievales estaban pintados con pigmentos mezclados con agua espesados con pintura blanca opaca. Posteriormente surgieron otros tipos de pinturas opacas solubles en agua, muy cercanos a las acuarelas, como el gouache, que  Pastel, en arte, barra de color fabricada con pigmentos en polvo y otra sustancia cohesiva, como goma o resina; se utiliza principalmente en dibujo. Posee la particularidad de no utilizar ningún aglutinante, por lo que el color de la barra es el definitivo. A cambio, tiende a ser alterado con facilidad y necesita de un fijador para su total adherencia al soporte, que suele ser papel.
  Los colores al pastel son inalterables, porque no contienen aditivos ni barniz. Se fabrican en tres grados: blando, medio, y duro. La gama de colores es muy amplia se presenta en forma de barra y de lápiz.
   La mejor superficie para el pastel es el papel rugoso, que puede elegirse en tonalidades de color para realzar efectos.
   La variedad de efectos que pueden conseguirse radica en los distintos rayados y en la presión que se haga sobre el papel. Si se hacen trazos gruesos y se extienden con los dedos, se consiguen calidades parecidas a las de la pintura al óleo. Los dibujos deben protegerse enmarcándose con vidrio; de lo contrario agentes externos (luz, polvo, humedad) deterioran  la obra en poco tiempo.
Tiene su origen en Italia durante el siglo XVI como evolución de la tiza de dibujar. Sin embargo, su época de máximo esplendor fue el siglo XVIII con artistas como La Tour y Chardin. Con el movimiento impresionista, durante la segunda mitad del siglo XIX, volvió a recuperar su popularidad. Se encuentran destacados ejemplos de esta técnica en la obra de Edgar Degas, Auguste Renoir y Toulouse-Lautrec.
Temple, Pintura al, técnica pictórica que consiste en disolver el pigmento en agua y templarlo o engrosarlo con huevo, caseína, goma o una solución de glicerina.
Hoy, este tipo de pinturas se están volviendo a poner de moda pero ya vienen envasadas y lo único que hay que hacer es añadir agua u otro aglutinante, generalmente caseína. Las pinturas al temple son opacas y mates y mantienen el color inalterable durante mucho tiempo.

CARBONCILLO Es un carbón vegetal que puede comprarse en forma de barras finas, medianas y gruesas. Los lápices de carbón se hacen con carbón vegetal comprimido; tienen varios grados, que van del extra blando, pasado por el blando y el medio hasta el duro.
El Carboncillo es muy apropiado para dibujos de gran formato. Es muy versátil puede producir líneas y zonas de sombreado gradual desde el gris claro al negro intenso. Se borra con goma o con un trapo limpio.` Se utiliza con todo tipo de papeles, texturados, de colores, pero este no se adapta a las superficies brillantes.
La técnica del Carboncillo consiste en trazar las líneas rápidas y sueltas. Otra forma  de dibujar con Carboncillo es graduando los tonos o sea aplicar el carbón y luego pasarle los dedos extendiéndolo.
Todos los procedimientos para dibujar con carboncillo pueden mezclarse y combinarse con tizas y pasteles de color.
Para proteger el dibujo se recomienda enmarcarlo con vidrio.

PINTURA AL OLEO

• Es el arte de aplicar colores disueltos en aceites secantes sobre una superficie para crear un cuadro. La pintura al óleo se desarrolló en Europa a finales de la edad media y gozó de gran aceptación por su mayor simplicidad de manejo y las posibilidades más amplias que ofrecía, en contraste con los agentes aglutinantes existentes a la sazón.

• La pintura al óleo se seca relativamente despacio con poca alteración del color, lo que permite igualar, mezclar o degradar los tonos y hacer correcciones con facilidad. El pintor no está limitado a las pinceladas lineales, sino que puede aplicar veladuras, aguadas, manchas, vaporizaciones o empastes (pigmentos muy espesos).

• El óleo permite obtener efectos de gran riqueza con el color, los contrastes tonales y el claroscuro.

MATERIALES Y TÉCNICAS

• En la actualidad, casi todos los artistas utilizan materiales comerciales, aunque quedan algunos que prefieren preparar sus propias pinturas al estilo tradicional. La pintura al óleo se compone de pigmentos molidos mezclados con un aceite que se seca al estar expuesto al aire. Los pigmentos, o polvos de color, deben ser insolubles, insensibles a la decoloración y químicamente inertes

• La superficie pictórica consiste en un soporte, que puede ser una tabla o un panel compuesto, o más frecuentemente, una tela de lino, algodón o yute tensada en un bastidor o encolada a una tabla. El soporte va cubierto con una preparación, hecha con una fina capa de yeso y cola o apresto.

• La preparación hace que el soporte sea menos absorbente y proporciona una superficie pictórica que no es ni muy áspera ni muy suave; puede ser blanca aunque generalmente se aplica encima una capa de color, que suele ser gris, castaño oscuro o rojiza.

• Para pintar al óleo se procede, tradicionalmente, por etapas. En primer lugar se bosqueja el dibujo sobre la preparación a lápiz o a carboncillo. Después se rellenan las amplias zonas de color con una pintura fluida, y se van refinando y corrigiendo sucesivamente con pintura más espesa a la que se añade óleo,. Este proceso puede durar desde pocos días hasta meses o incluso años.

• Una vez seca la pintura, se barniza para protegerla de la suciedad y para dar más vida a los colores. Todos los barnices terminan por oscurecerse, por lo que deben ser de fácil eliminación para volverlos a aplicar.

Los polímeros.  Vinílico.  Acrílico.- Se trata de pinturas plásticas o acrílicas porque en realidad se trata de plásticas sintéticas, de ahí el nombre de acrílico. Es decir, son pinturas cuyo aglutinante es una cola de fabricación plástica o resinas sintéticas. Tiene gran densidad, secan con gran rapidez y adquieren granulaciones (gotelé) que poseen valoraciones tridimensionales o escultóricas.

 

DIBUJO ARTISTICO

Ante una sociedad   en continuo cambio  las instituciones de educación superior y en especial la CUN demandan  nuevas competencias profesionales para desarrollar el pensamiento divergente en el cual podemos localizar nuestra creatividad. De tal forma el dibujo artístico es una actividad  para  enfrentar  nuevos desafíos que nos permitan ubicarnos  en  el  entorno del cual somos parte.

El dibujo artístico:

Es un instrumento de conocimiento e  identidad social-cultural. El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una  superficie plana con una fuerza  expresiva el cual se  convierte en arte individual. El dibujo se desarrolla en la practica  como autentico genero del imaginario  humano, ya que <<el dibujo dibuja>> en la imaginación, esta practica del  dibujar es un proceso de creación, adquiriendo la posibilidad de ser pensante. El dibujo es la técnica  y la pieza mas apreciada del aprendizaje de las bellas artes.

Por estas razones la cultura del poder aprender a dibujar, es la  manera de  acercarse a la  identidad  y a la génesis de la  noción Colombiana.

En  este  taller  el estudiante  aprenderá las técnicas básicas:

 El dibujo artístico lápices blando, lápiz duro carboncillo, lápiz sanguina, lápiz sepia, lápiz blanco, se realizaran en soportes como el durex, cartulinas fabrian

 

Socialhumanistica

Docente Jaime tenjo.